鸟人

文/ 五乔墨西哥裔导演亚利桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里多的电影，看起来可真是不轻松。

从《爱情是狗娘》、《21克》、《巴别塔》直到《美错》，每一部的话题都选得异常沉重。

观看他的电影，就像读他的名字带给人的感受一样：虐心。

要是你以为这部打着喜剧旗号的新片《鸟人》能够让你轻轻松松笑一场，那就大错特错了。

“三”一定是全球通用的神秘数字，不然墨西哥裔导演伊纳里多何以深谙“三生万物”这个道理，上文提到的几部作品毫无例外都是通过三个貌似随机选取、实则相互交织的故事，立体地展现同一个主题的不同侧面，这种叙事方式也加深了他的作品在思想上的深度与广度。

所以很自然地，在《鸟人》中，我也在寻找这个宿命般的数字。

初看来，《鸟人》只有一条故事线，那就是过气明星Riggan，根据雷蒙德·卡佛的小说《当我们谈论爱情的时候我们在谈论什么》，自编自导自演的一部话剧，从排练到试映到首演的过程。

然而随着电影的深入，这个神秘的数字还是借着三位主演逐渐显露出来。

不过这次三点并没有构成一个平面，而是构成了一条关乎艺术追求以及人生价值的谱线。

在谱线的一端，是爱德华·诺顿饰演的演员Mike：才华横溢，恃才傲物，洒脱自我。

他不在意别人的看法，不照顾旁人的情绪，也不试图取悦任何人。

面对一言九鼎的《纽约时报》评论人，也是一脸爱咋咋地的轻蔑。

他真正追求的，唯有戏剧、表演、艺术而已，要是顺带着名利双收，当然也是来者不拒。

谱线的另一端，是Riggan的女儿Sam，代表着社交网络塑造出的年轻一代。

他们对实质性的内容漠不关心，感兴趣的是自拍点赞上头条。

她在卫生纸上没完没了的画着一道道线，没有任何价值。

她们的信条是名气即权力，只要能出名，管他凭借的是裸照还是江南style。

要是哗众可以取宠，似乎也并无不妥。

处于谱线中间的Riggan活得可就痛苦了。

作为饰演过超级英雄“鸟人”而曾经红透一方的明星，他无法满足于像Sam一样止于名利，又做不到像Mike那般淡薄洒脱，曾经的辉煌反倒成了他脑海中阴魂不散的声音，矫情又纠结地折磨自己，好像一个既放不下架子，又舍不掉头条的汪峰。

正如流行文化教父安迪·沃霍尔的预言那样，这是每个人都可以成名十五分钟的时代。

在这个生活在同一张网中的世界，“名气”就像绿茶婊，很多时候是想躲躲不开，想追又追不来。

长得帅的流浪汉被人拍了张照片，就一夜间成了红人；Riggan赤身裸体在时代广场上走了一圈，就一不留神成了话题人物。

“流行”除掉大众的恶趣味到底剩下多少“价值”？

流行文化究竟是文化的进步还是倒退？

艺术价值究竟应该不应该交给翻云覆雨的大众喜好去评判？

Riggan显然是鄙视大众品味的。

因为在大众眼里，他不过是个过气明星而已。

可是他自己觉得自己根本就不是凡人。

打影片一开始我们就发现他不仅可以悬空漂浮，还可以意念移物。

然而随着故事发展我们发现不大对头，怎么Riggan在天上飞大家都视而不见呢？

不是Riggan刚刚从空中飞到了剧院吗，怎么后面立刻追进去一个要账的出租司机呢？

到底是Riggan幻想了自己的特异功能，还是大众有眼不识泰山呢？

伊纳里多用这种暧昧的表述，同时质问正反双方：凡夫俗子们，真的有能力看到高人身上的绝技吗？

而像Riggan一样的艺术家们，觉得自己天赋异禀，可是这个世界知道吗？

既然不信任大众品味，Riggan只能寄希望于专业剧评人的赏识。

结果却发现，在专业人士眼中，他不过是一个被名气惯坏了的小丑而已，愚昧无知又自我陶醉。

不被凡俗理解，同时被权威拒绝理解；鄙视大众品味，反过来也被专业人士鄙视。

正是这种绝望的境地最终将Riggan击溃，他决定上演一折人生如戏，在首演的舞台上，他开枪爆了自己的脑袋。

讽刺的是，Riggan像他自己戏剧中的loser一样，连自杀都失败了。

不过还好他没死，不然他就看不到剧评人给出的“无知的意外价值”的评价了。

Riggan熬过了黎明前的黑暗，终于人气口碑双丰收了。

剧评人的意思大概是说，虽然Riggan是个无知的傻逼，不过恰是这种无知，让他给艺术创造出了一点儿新鲜的东西。

没错，艺术的产生，靠的不是系统总结或者冷静推理，总还是需要激情、感性甚至某种程度的“无知”。

也许只有像Riggan一样，经历了痛入骨髓的挣扎才得以在涅槃中创造出最好的艺术。

在这个层面来说，艺术家永远比艺术评论人高级。

剧评人说Riggan创造出了一种可以称作“超级写实主义”的戏剧，这种极度真实感来源于Riggan对剧中人深刻的同情和理解，当然还来自于（主要来自于）自己被打烂的鼻子。

伊纳里多在影片拍摄手法上，通过流动无间断的超长镜头运用，似乎也打造出似纪录片一样的写实效果。

影片选角上，选择曾经在90年代因主演“蝙蝠侠”系列而成名的迈克尔·基顿，饰演拥有相似人生经历的Riggan；选择对演技精益求精、难以相处著称的爱德华·诺顿，出演同样执迷追求艺术的Mike；选择人气爆棚的《蜘蛛侠》女朋友艾玛·斯通，出演迷失于社交时代的Sam，这样的演员设置进一步模糊了电影与真实的界限。

不管是妙手偶得，还是刻意为之，伊纳里多终究还是打造了三个故事：现实中的迈克尔·基顿，电影中的Riggan，以及Riggan戏剧中的主角，现实/电影/戏剧中的故事纵向融合在一起，这可不可以说是属于伊纳里多的超级写实主义呢？

片中那个占据了几乎全部电影时间、让人有时喘不过气、值得记入电影史册的长镜头中，伊纳里多还加入了一些空间时间上的穿梭，这也许是不得已而为之，因为你要保持镜头的连续，就不得不寻找某种突破时空限制的方式，不过这很好的和Riggan想象部分虚实莫辨的镜头结合在一起，加上那鬼魅般无处不在的打击乐，给影片蒙上了一层神秘色彩。

毫不夸张地说，伊纳里多在影片所有层面作出的大胆尝试，都令人惊艳。

不难猜测，本片将在来年奥斯卡上，成为几乎所有主要奖项的领跑者。

电影结束的地方，Sam睁着大眼睛看着天空，笑了出来，我们不知道她看到了什么，不过不难猜想，大概是她——作为Riggan以外的头一位——终于亲眼见到，自己的老爹竟然拥有飞翔的力量。

星级：★★★★★里根•汤普森改编自雷蒙德•卡佛的《当我们谈论爱情的时候，我们谈论什么》为什么火了？

普通的观众喜欢它，500美刀的门票被抢光，《纽约时报》刻薄挑剔的女评论人喜欢，称其为无知的意外美德，咱们来屡屡电影给出的答案。

一开始预演时有男演员被舞台上掉下来的灯头砸进医院，他们还一直在打官司索赔；任性爱折腾的方法派男演员麦克•珊农舞台上勃起，YouTube上一夜时间点击量过万；曾经的“飞鸟侠”演出中场穿着内裤在纽约广场裸奔，首演了，最后又在舞台上真枪实弹的轰掉了自己的鼻子，这个剧组的娱乐话题就从来没有断过。

女评论人塔比瑟•迪金斯觉得里根•汤普森这种名人就是一个穿着弹性紧身衣的好莱坞小丑，她痛恨他代表的那类人，毫无文化积淀，没有正规训练的乐天派整天想着去创造真正的艺术，搞点所谓的自编自导自演，就好像“毫无才华的被宠坏的臭丫头”的安吉丽娜•朱莉去做了导演（此处没有讽刺之意，只是引用）。

但是最后，这些刻薄的评论人也从“打掉鼻子”中看到了这群演员的真诚，演员为此付出的一切，他们喜欢称这为一种美德。

好莱坞颁奖季向来喜欢这类演员玩自虐的方法派演技，像今年《夜行者》的杰克•吉伦哈尔和《万物理论》里的埃迪•雷德梅恩，他们瞧不上那些演爱情喜剧的，除非你是梅丽尔•斯特里普，这样的偏见总是无处不在。

所以这出话剧火了，这也是《鸟人》要讽刺的，我不知道该怎么定义这部电影的类型，它不是颁奖季的奥斯卡命题作文，它也不是套某种类型片公式的八股文，但这正是墨西哥导演亚利桑德罗•冈萨雷斯•伊纳里多的天才之处，这应该可以说是一部灵气十足的讽刺喜剧？

它讽刺还有更直白的东西，比如那些去演超级英雄电影的当红男星，小罗伯特•唐宁、迈克尔•法斯宾德和杰瑞米•雷纳等人，编剧们的观点还多多少少带着那么一点偏见、逼格、清高和沾沾自喜式的自我满足。

你真的这么想？

我不觉得编剧们在这么想，但是整个好莱坞却是这么想，否则也不会找那么多公认的演技派和奥斯卡级别的大牌下海演这类甜腻的爆米花大片。

这时候大家谈的不是艺术，是躺着把钱赚了，但总有人想着要搞点艺术，就像汤普森当年为什么要辞演《飞鸟侠4》，所以他很快过气了，被人遗忘，这就是现实，好莱坞的现实就是这么讽刺。

《鸟人》让人想到奥利维耶•阿萨亚斯的那部新片《锡尔斯玛利亚》，除了戏中戏，还有演员的现实生活中的演绎履历和片中角色的高度吻合，戏剧与电影，现实与故事，舞台与生活，就像三重镜像，剧作在叙事文本带来的思考和共鸣已经不仅仅是电影故事了，就像演过《美国X档案》的爱德华•诺顿去演方法派演员，演过《蝙蝠侠》的迈克尔•基顿去演过气的《飞鸟侠》，你难免会想到真实的好莱坞，这正是这片子的野心所在。

好像在好莱坞想玩艺术，就不得不搞点严肃正经自虐的东西。

去年男主角阵容里，表演最丰满动人的就是这部电影里的迈克尔•基顿，当然整部电影里的所有角色都很丰满，所有演员也都演的很尽兴，这要归功于艾曼努尔•卢贝兹基的摄影，他的长镜头并不是让人目瞪口呆的炫技，加上Antonio Sanchez的爵士鼓点，镜头除了在现场的代入感，还时刻在情绪上和演员的表演保持着高度的一致，比如大家最容易察觉的就是当古典音乐响起，镜头就会飘飘欲仙起来，就像摄影机失去了重力一样，那就像这群演员嘴上说的那样，叫入戏。

戏里，一切都不是问题，戏外，该反思的该讽刺的该悔悟的继续，演员的飙戏、情绪化的镜头和临场的真实感都让人想起托马斯•温特伯格当年的那部《家宴》，有点强烈的“窦马95宣言”的感觉。

而且摄影还因此赋予了整部电影独一无二的形式感，当然这类伪长镜头并不新鲜，希区柯克1948年就在《夺魂索》里展示过了，不过这年头再看，墨西哥这帮电影人的革新精神依旧让片子带上了一股子仙气，既完美个性又与众不同。

现在你知道《鸟人》想讽刺什么了吗？

在好莱坞想创造点真正的所谓的艺术，为什么就一定要自虐？

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某一个时期，你总会感到与周遭一切格格不入，置身其中却又仿佛被遗忘。

有那么一瞬间你做着最后的挣扎，哪怕只有一线希望也要竭力争取，里根选择向剧评人示弱求和，遭遇冷嘲热讽之后，索性破罐破摔，羞辱对方，也把自己送上绝路；当你开始自我否定，承认眼前的难堪，打算彻底缴械投降时，命运偏又和你作对，以最嘲讽的方式把你梦寐以求的荣耀和梦想端至你眼前。

要坦然接受吗？

还是骄傲地自决？

里根选择后者--我只接受自己期望的成功方式。

《鸟人》几乎可以说是为里根的饰演者迈克尔·基顿量身定做，他曾是1989年的老蝙蝠侠，而剧中里根的成名角色，则是拥有超能力的鸟人。

成也萧何败也萧何，漫画式英雄带来的名声也成为负累，不管是剧中里根，还是现实中的迈克尔，在随后的演艺生涯没能超越自己扮演的漫画英雄，不得不面对籍籍无名的境地。

剧中里根屡战屡败的焦虑和困顿，相信迈克尔能感同身受。

在塑胶衣里迎来事业顶峰，却选择在之后的续集主动请辞，里根或者迈克尔的决定，我们都无从知晓，或许是厌倦了商业套路，或许是个人演艺生涯的迷失。

表面上，他拒绝穿着塑胶衣，扮演拯救世界的超级英雄，可英雄情结早已在心中扎根，每当里根陷入绝境，感到无助之时，心里的声音就会提醒他不凡的一面，最终他长出翅膀，飞过拥挤的城市，享受鸟人的自由和骄傲，镜头略一转，出租车司机追在他身后讨要车费，又有多少人在这一刻不由自主地叹息了呢？

比起骨感的现实，我们宁愿在电影里要一个魔幻的结局。

除了里根的“中年危机”，剧中的每一个人，又何尝不是面对着自己的一卡车难题。

想要帮父亲分担，却又在互相伤害中无所适从的女儿；对于感情的反复试探，迷醉于同性欢愉的小女友；生性不羁，熟稔新时代快速成名法则，却也会在天台上吐露心中迷惘的当红小生麦克； 渴望通过里根的戏一战成名，搬来旧爱救场，却又陷入对方制造尴尬之中的女演员；甚至是在街头慷慨激昂朗诵台词的流浪汉，让围观的里根难免对号入戏，没想到，对方却先一步出戏，询问演技，看上去颇为混乱讽刺的一场闹剧，难掩众生皆苦的无奈现实。

影片在导演和摄影的共同打造下，如同一个长达两小时的长镜头，场景的切换和视角令人拍案叫绝。

影评人热衷于谈论影片的“一镜到底”，串起戏里戏外，台上台下的喜怒哀乐。

影片上映后，也不乏技术党跳出来提醒，看上去的“一镜到底”，其实由多个长镜头组成，而最长的镜头不超过15分钟，他们甚至还将哪些场景用到了特效剪辑和隐藏剪辑，精确到分秒，难免有人因此疑心所谓“一镜到底”不过是影片的噱头和炫技。

不过不能否认的是，跟随镜头隐在里根身后的我们，也因此不自觉有了与他同呼吸共命运的代入感，演出前夕状况种种，有那么些瞬间，想要为他喊一声“咔”，只可惜，人生没有暂停键，没法重头来过。

或许，这也是叙事手法和技术手段，带来的一个意味深长的隐喻。

“不是我不明白，这世界变化快。

”难免会想起崔健的这句歌词。

对于片中的媒体和观众而言，有关电影工业和戏剧产业的话题，剧本、表演、制作不再成为决定性因素，取而代之的是演员花边、演出花絮、舞台突发。

里根赤裸上身意外走出剧院的视频，被网友疯狂转发，让一部专业剧评人眼中的“糟蹋好剧本的烂戏”一票难求。

所有这些，所有这些我们谈论的艺术，只不过是一种想象罢了。

甚至可能连想象都不是。

里根不是不明白，过去幻想的未来不是现在。

毕竟，在他所秉持的标准里，自己仍旧是个失败者。

不管是英雄情结，还是拒绝娱乐的姿态，与艺术品质，到底是两回事。

在《当我们在谈论爱情时我们在谈论什么》里，雷蒙德·卡佛说，我们被生活罚出了场，正在为从头再来做准备。

于是里根选择从窗户一跃而出，这似乎又与崔健的另一句歌词形成了奇妙的对照：“我不愿离开，我不愿存在，我不愿活得过分实实在在。

我想要离开，我想要存在，我想要死去之后从头再来。

”

张力十足，引人入胜。

虽然不算我的菜，也不得不承认立意新颖，功力十足。

电影中有无数的层层推进的细节，包含对文化艺术，严肃思考的追求和当下盛行的快餐式娱乐的对撞。

还有情人，夫妻，父女的感情参杂于其中。

编剧，摄影，导演，当然还有所有演员的水平都很高。

随着情节发展，Riggan内心愈发强大，无论在舞台剧里还是在电影里都发出了我才是真正主角的有力宣言。

鸟人裸奔的长镜头将成为电影史上的经典，演员演的及其到位，沮丧、无奈、绝望，但又不甘放弃的心理表现的细致入微。

最后历经艰辛,，及时赶到，大难不死，使他灵感迸发，以手带枪迅速进入角色。

有人说这是一部奇幻色彩的片子，其实我觉得整部片子还是很写实的，那些奇幻想像镜头其实只是表现人物内心，你不会觉得突兀，而是会心一笑。

(P.S: 本文只是为了提供一种可能的解读而已，如果有谁追求一种绝对普遍的真理，那我奉劝不要看这篇影评了，我不想争这种没意义的是非问题，讨论的基础就是建立在一种开放性之上。

）这是一部非常有意思的作品。

个人认为是对后现代主义，或曰晚期资本主义的文化逻辑的一次完美辛辣的嘲讽。

于是忍不住想写一些看法。

影片一开始的第一句旁白是: "How did we end up here? This place is a fucking dump." 这真的是一个非常impressive的开头，导演的态度已经显露出来了。

接着旁白又说：" We don't belong in this shithole." 然后故事才正式开始。

影片第一部分最值得注意的部分是记者对Riggan的一段采访。

记者的问题暗含嘲讽：「为什么一个原来主演鸟人的演员突然想把卡佛的作品改编成舞台剧？

」Riggan的回答是：「巴特说过，过去文艺作品中的神话史诗现在正被清洁剂广告和漫画角色代替，所以我的改编是一大进步。

」说完这句话一个大胸金发女记者问道：「巴特是谁？

他是哪个鸟人？

」另一个记者刚要开始和他解释巴特到底是谁，女记者又问：「话说你注射幼猪的精液给自己美容？

」Riggan问他听谁说的，记者答某条推特爆料的。

这段对话对整部作品所要嘲讽的对象有了很明显的指涉：大众商业逻辑和精英文化逻辑的一次殊死搏斗。

如果说Birdman象征通俗甚至低俗的好莱坞式审美观，那么希腊神话中的Icarus则是它的对立面：他飞得太高，太接近太阳，以至于翅膀最终被融化，跌入深渊。

Riggan作为影片中唯一一个真正有理想追求的，不甘于平庸的角色，他的尝试在这样一个资本主义文化逻辑中显得稚嫩可笑。

这也是为何他的女儿说：「你的作品有什么意义？

谁在乎卡佛80年代发表的作品？

你连推特都不会用。

」他完全无言以对。

而之后的几场戏，鸟人频繁出现在Riggan的意识里面，拼命劝他妥协，乃至他被折磨到精神崩溃的边缘，想表达的也是同样的意思。

再来谈一下Mike.这是一个很矛盾的角色。

他是一个非常有野心的人，但是却为了自己的名利可以不顾其他人的尊严，卖友求荣的事情他绝对干得出来。

他看似对演艺事业满怀热情，其实不过把它当成沽名钓誉的工具罢了，最为可笑的就是和女演员提出real sex的要求，当他自己的biggest hard-on得到海量点赞的时候，掩藏不住的虚荣心还是出卖了他。

他也嫉妒Riggan和Raymond Carver的关系，虽然表面上不屑。

再来谈一下Riggan的女儿，一个典型的American Cool Girl, 她和Riggan那次发飙吵架的台词很值得玩味："Means something to who? You had a career before the third comic book movie, before people began to forget who was inside the bird costume. You're doing a play based on a book that was written 60 years ago, for a thousand rich, old white people whose only real concern is gonna be where they go to have their cake and coffee when it's over. Nobody gives a shit but you. And let's face it, Dad, it's not for the sake of art. It's because you just want to feel relevant again. Well, there's a whole world out there where people fight to be relevant every day. And you act like it doesn't even exist! Things are happening in a place that you willfully ignore, a place that has already forgotten you. I mean who are you? You hate bloggers. You make fun of twitter. You don't even have a Facebook page. You're the one who doesn't exist. You're doing this because you're scared to death, like the rest of us, that you don't matter. And you know what? You're right. You don't. It's not important. You're not important. Get used to it.＂对于一个活在social media frenzy, celebrity cult时代的人，Sam自然无法理解父亲的那近乎可笑的「纯艺术」追求。

她生活在一个到处都是营销、名人八卦的世界，更知道比起艺术，人们真正关心的是什么，这段话不愤世嫉俗，仔细读却有一种悲哀感，那就是彻底被时代潮流同化以后人的卑微处境。

她自己也不是她父亲那样有事业追求的人，沉浸在大麻和社交网站带来的虚无满足中，做「小时代」里的小人物而已。

Riggan也曾一度想放弃，可是当他得知票子全部卖完以后，他已经没有退路了。

讽刺的是，最后Riggan给手枪上膛，打算走向舞台的时候他说了一句话：" 20 leopards laughed at 2 lofty lions.」重复了三遍，值得注意。

当Riggan徘徊在大街上，「麦克白」的独白"Out!Out!Brief candle!"响起，这一象征主义的手法极具张力。

Riggan走过他身边，不予理会，这个细节暗示出他仍然没有妥协。

最后提一下那个面目可憎的女影评家。

由于长期找不到作为影评家的存在感，贴标签，写陈词滥调逐渐成为了她唯一会做的事情，在所有的人物中，我觉得她是最为可悲的。

当她自信满满地说: I'm gonna kill your movie because you are a celebrity的时候，我觉得导演所要讽刺的人真是古今中外不胜枚举。

影片的结尾既无奈又美好，Riggan是死是活已经不重要了，这注定是一个开放性的结局。

在这种「魔幻现实」的表现手法中，男主角Riggan终于成为了Icarus, 而不是Birdman, 因为他要追寻的是太阳，尽管人们关注的永远是坐在马桶上的Birdman. 这种对绝望的消解，也正是印证了那句名言：「绝望之于虚妄，正与希望相同。

」（请勿随便转载，任何形式的抄袭，本人将追究到底。

）

　一个演员的咸鱼翻身，要在舞台上完成，动静堪比鲤鱼跳龙门，难度达到西天取经3.0，如果经书是雷蒙德卡佛的《当我们谈论爱情是，我们在谈论什么》，那么他们这一路上可谓历尽磨难: 先是遇到怪招乱出的麦克， 然后被女儿鄙视， 但是号称和他有代沟的女儿后来却和年龄不比他小多少的那个八戒麦克好上了，画面太残暴，不敢看，只能躲到门外默默吸一口烟，谁知被妖风呼得关在了门外，只能穿条短裤从大街上回到剧院里，屋漏偏逢连夜雨，影评界的观世音娘娘狄更斯老太太在这一幕闹剧后，毫不留情地点差评差评差评，32个差评。

看到这里，觉得Riggan很不容易，不仅觉得他不容易，觉得他代表的那一类演员都不容易，在看脸的社会，有脸的时候红了，于是被无情的贴上了“偶像”的标签，人老珠黄后，即使很努力，甚至到自残的地步，却摘不掉那个标签。

在咬牙切齿痛骂标签化的时候，却发现导演其实也在用标签化的方式表现剧中每个角色。

比如，与他相对对立的是Mike代表的演技派，评论界的宠儿，有才，自负，甚至有点不顾他人感受。

和他们同台的女演员Lesley和Laura，长期默默无闻却努力着。

那个总在酒吧里拿着纸笔将各人送上天堂或地狱的狄更斯太太，就像把自己关在奇怪小木屋里的巫婆，想想就汗毛倒立。

那个长大了却翅膀被折断的女儿SAM。

主要为了挣钱玩弄各种手段摆平各种事情的经理人Jack。

还有一开始出现的那三个记者---文艺青年，胸大无脑的娱乐记者，和因为语言不通而频频假高潮的外国媒体。

这些人，都用他们的狂妄，无知，偏见，天真，勾勒出了一出出让人啼笑皆非的场景。

其中最让人觉得搞笑的场景还是Riggan的，当Riggan想要找一个新的演员的时候，发现他要的菲利普•塞默•霍夫曼在拍《饥饿游戏》，迈克尔•法斯宾德在拍《X战警》，杰瑞米•雷纳在拍《复仇者联盟》，COME ON， 你们这帮好演员怎么啦？

什么，最佳吸金王是钢铁侠？

这种感觉就好像，你发现你跑掉的股票涨上了天。

欲哭无泪啊，只能摇摇头苦笑。

然后你发现，纽约遍地是人才啊，就连街边的流浪汉，念起麦克白来也不会比你差：“人生不过是一个行走的影子，一个在舞台上指手划脚的拙劣的伶人，登场了片刻，就在无声无臭中悄然退下；它是一个愚人所讲的故事，充满着喧哗和骚动， 找不到一点意义。

” （朱生豪译）“太过了吗，我只是想给你个范围。

”　这句话也是那个被砸晕的男二号说过的话，我刚被骂得体无完肤，你来问我表演的意见？

还是莎士比亚的？

您埋汰我呢！

Riggan也许就是这样一个人，曾经无限辉煌过，现在却很落魄。

这种心理落差让他分身出了另一个他---鸟人。

我喜欢那个鸟人，因为他够真。

在一个个标榜着文化，潮流，品味，权威，个性的环境下，只有“真实”才最可看。

当然，“真实”看上去并不那么美好。

Riggan这个人物在我看来挺虚伪的，他选择雷蒙德的作品真的是因为小时候那个作家写给他的那些话吗？

我认为不是。

选雷蒙德，在我看到，只是迎合市场的需要，因为戏院市场，是鄙视畅销文化的市场。

这个市场可以让他回到报纸头版。

而鸟人坦白多了，他就是重新拿回他的舞台，让那些曾经遗忘他的人永远也忘不了他，就算舞台总有谢幕，他也要用他自己的方式，让人瞠目结舌，嘲笑所有人。

当Riggan将雷蒙德•卡佛给他的纸巾扔在酒吧的时候，那个Riggan败了，他终于和鸟人完美结合，翱翔在曼哈顿的上空，也翱翔在自己的内心深处。

于是，一个更加真实的Riggan，“重生”在剧院门口， 想在舞台上做一个完美谢幕。

“你(们)爱过我吗？

我被你（们）爱过吗？

” “没有。

” …… 嘣！

落幕之后， 不禁想问，这部戏的导演为什么选雷蒙德？

为什么选《当我们谈论爱情的时候，我们在谈论什么》? 我觉得作品中的这段话可以说明些问题，“但假如明天我们俩有谁出了事，我想另一个，另一个人会伤心一会儿，你们知道，但很快，活着的一方就会跑出去，再次恋爱，用不了多久就会另有新欢。

所有这些，所有这些我们谈论的爱情，只不过是一种记忆罢了。

甚至可能连记忆都不是。

我错了吗?我说得太离谱了吗?如果你们认为我错了，我希望你们立刻给我指出来。

我想知道。

我的意思是，我什么也不清楚，我率先承认这一点。

”爱情是一段记忆，可能连记忆都不是，更何况只是对曾经喜爱过的偶像？

影迷们是非常薄情的，是喜新厌旧的，而曾经被爱着的明星们，被开始爱着的时候，最好就先承认这一点。

虽然片中有大量对超级英雄电影的影射，有对影评人，记者代表的舆论的吐槽，但这不是一部恶搞讽刺电影，这是一部有点忧伤的电影，关于拒绝被遗忘的电影。

一个讨巧的回闪，Riggan只是伤了鼻子，他用一只鼻子赢回了聚光灯和媒体的追逐。

但他却再也摆脱不了鸟人了。

当他在厕所看到蹲马桶的鸟人时，他在想什么？

当他站在窗台时，他看到了什么？。

当SAM回来后，露出那个笑容的时候，又是看到了什么？

如果回到影片开头，我觉得，她看到的是那首诗。

Late fragment Raymond Carver (1938-1988) 　　　And did you get 　　　what you wanted from this life, even so? 　　　I did. 　　　And what did you want? 　　　To call myself beloved, to feel myself 　　　beloved on the earth.全诗用的都是过去式，是去另一个世界的他说，“称自己被人所爱，感受到自己，在世上时，被人所爱。

”　这也是雷蒙德生前最后一首诗。

影片的节奏似乎是随着鼓声律动在前进，每当人物开始移动，鼓声就会响起，这种接近于心脏跳动的节奏，渲染了那种“喧闹与骚动”的感觉，隐隐透出一种诡异。

如果从“起承转合”的角度来看，《鸟人》之“转”，始于主人公同剧评人的撕破脸皮。

稍早之前，观众就已获知，“脸皮”，或更文雅地说，“形象”，对这位过气演员有多么重要。

实际上，和所有具备足够深度的“圈内戏剧”一样，《鸟人》不可避免地触及了一系列事关戏剧本体的重要议题，从而使自己清楚地区别于那类辛辣却浅薄的讽刺小品。

事实是，影片或许向我们道出了伶人最为根本的生存困境——说它“根本”，是因为这种困境正植根于“伶人”这一身份本身——“伶人”只有在观众的眼中才看得见自己的存在；但其所见，与其说是自己，毋宁说是自己的“形象”——一张或滑稽或悲哀的面具。

正是这一点，成为了迈克尔基顿饰演的主人公全部焦虑的源头：在人们的视野之外，他感受不到存在的重量——前途是明摆着的，如果不挣扎反抗，他就将沦为“鸟人”这张面具背后的幽灵，并随它一起，变得“轻于鸿毛”（在本片中，悬浮半空，究竟意味着心灵的自由，还是“不能承受的生命之轻”，始终暧昧不明）；然而，也同样是这一点，决定了他的挣扎注定要以惨败收场。

因为，只要仍以“伶人”自居，那么继续存在于观众眼中的唯一方式，就是以新的面具覆盖旧的面具；除此之外，别无他法。

那么，当主人公试图以一个“伶人”的身份为大众所瞩目时，一个令人倍感困惑的问题也随之凸显。

那便是，即使他最后真的成功，观众眼中的这个“伶人”，究竟是实实在在的他——伶人其人，还是仅仅又是一张名唤“伶人”的面具，就像当初“鸟人”的那张一样？

其实，以上问题，在主人公初露“真容”时便已浮现：彼时，观众实际看到的，是主人公的镜像和挂在墙上的“鸟人”——在我看来，与其将这一幕理解为“本人”和他分裂出来的人格，还不如视为，眼前并置着两张面具。

要知道，揽镜自照，从来都只是不乏讹谬的自我指认，充其量只是一次纳喀索斯式的临水照花，看到的只是“理想自我”的虚浮幻影。

在这一点上，爱德华诺顿所饰演的“百老汇骄子”，并不因其总是选择“真实”（Truth） 而得以幸免；相反，看看他裸身镜前的自恋眼神，便足以明白他对这道“幻影”的深深沉溺。

至于那份对“真实体验”的狂热执迷，则只应了“假作真时真亦假”的名言——戏中越是“无所不能”，戏外就越是“绵软无力”；舞台形象越是逼真、饱满，现实生活就越是干瘪、萎顿（Literally，你懂的）。

就像爱伦坡那篇名为《椭圆形画像》的小说：肖像一点点窃取了模特儿本人的生命，“写真”最后僭夺了“本真”作为“真”的资格。

当然，如果说还有什么值得庆幸，那便是对一个伶人来说，这种不无荒诞的“虚实不分”意味着一份通常意义上的成功——毕竟，诺顿始终是剧评人的宠儿；而基顿甚至连这样的资格都不具备。

对后者来说，“成功的伶人”正是他的镜像、他的理想自我，而其全部努力，就是在观众的眼中（而不仅仅是在自己的眼中）看见它！

或许正因如此，他才选择了剧场：不光由于传统观念上，“戏剧/文学”与“电影/漫画”的雅俗之别，使前者看起来更为“不朽”；更因为在那儿，你能第一时间看见自己正在“被看”——那正是“Theatre”一词，最初的含义。

荒诞而残忍的是，主人公没能“逃离”；相反，他倒是似乎赢得了“胜利”！

那些昔日他所渴望的一切，如今居然纷至沓来：剧评人赞不绝口，媒体蜂拥而至，连女儿也买对了他想要的花（但他已闻不到花香，这是个隐喻）。

但，胜利的果真是他么？

——好好回想一下吧，随着舞台上的一声枪响，我们当中还有谁真的再见到过“他”？

——我们看见的，难道不只是一幅报上的剧照、一张由纱布拼接成的诡异“面具”（就像影片中无数次出现的、音乐剧《歌剧魅影》海报上的那一张），以及镜子里那副连他自己都认不出来的陌生面孔？

——由此，影片的结局将我们带回了本文开头的那个问题——当一位伶人终于以“伶人”的身份为人们所瞩目时，此处的“伶人”，远非他自己！

——他的“成功”，便是“他”的失败。

如果说有什么比这更令人沮丧的，那就是连喋喋不休的“鸟人”，此刻都已沉默：那意味着内心的宁静？

抑或是在回应那振聋发聩的句子——“喧哗与骚动”（sound and fury）都已停止，这是真的“无声无息”（heard no more），真成了“nothing”？

…… 如果你倾向后者，那么或许会同意我下面的观点：在某种意义上，主人公临窗一跃后，究竟是“生存还是毁灭”，从一开始就是一个“不恰当”的问题。

早在一个血洒舞台的艺术家，在观众们眼中诞生的那一刻，他已不复“存在”。

或更准确地说，存而不在，逃而不脱，这就是关于主人公最大的悖论。

所以我不无固执地相信，影片的最后一幕远不像看上去那样乐观。

因为对我们来说，无论坠落还是飞翔，都只存在于一双眼睛里——也许在这个世界上，唯有那里，是他的归宿。

整部片子弥漫着中年危机的压抑,在功利、现实、冷漠城市的每一寸肌理里。

it's about how fucked up life is. 1 你可以长得很帅女友很美事业顺利，但是你勃起困难最终女友失望透顶从对生理的无奈到心理的无助不得不离你而去，你只有搞同事的女儿 或被同事的女儿搞的时候才找回一点快乐。

你能演、你会说、你成熟、你有技巧、你懂艺术、你活好，你就是勃起困难。

也许因为你找不回年轻时的眼睛和能看到的图景。

2 你以为有可以相亲相爱的媳妇和女儿，生活就完美人生赢家，可是梦想实现后漫长的人生带给你的是空虚和必将被遗忘的宿命，于是你蛋疼，但又疼得不够壮烈，你开始无所顾忌的偷情，因为常规式的恩爱得到习惯性的回应久了让你觉得恩爱是无感的，反而折腾是有感的，虽然也爽不起来了，你以为是因为折腾的姿势不对，于是你继续折腾。

3 你最需要你爹的时候他不在，于是整个青春期你铆足了力气恨你爹，你爹突然回头了想补偿了你也蒙住了，你发现不恨他你的人生其实也没什么意思。

你最怕听人家说你很特别因为你发现你花了太多精力恨自己爹以为那可以作为人生目标，别的事你都不会了，你特迷茫坐在天台上想着我没什么特别，连以前特别恨我爹的特别都不那么特别了。

于是那个勃起困难的男人的赞美和理解让你觉得没准俩垃圾凑一起比独自的做垃圾温暖一点。

4 你以为为你离婚跟你在一起的这个男人很有才华，你以为他对你是真爱，你以为他不是没有能力爱只是过去的感情不是对的，他爱你的，你以为你能指望他跟你共担想要孩子的梦想，然后你渐渐发现他对疏远的人反而比对你更温柔，你终于再也无法忽略他骨子里的冷漠和自私，于是你发现另一个被生命不能承受之轻所折磨的女人如此性感，仿佛看到了另一个自己。

5 你漂亮你温柔你总是想做对的事，但是你男友勃起困难，你终于要实现理想了却发现自己处在最卑微和脆弱的状态。

不知道是因为自己心底认为男友勃起困难是自己的问题而开始怀疑自己不值得被爱，还是因为自己心底认为男友勃起困难是因为不爱自己，自己却还卑微的爱着他。

自尊与自卑交战的时刻总是最脆弱和摇摆不定的，几乎在呼喊着谁来夸夸我吧，像个小女孩一样需要别人的肯定来获得一丝确信，于是这种摇摆不定的时候另一个破碎女人的吻显得那么突然却渐显温情。

6 每个人都在奋力争吵、打斗、说脏话、赤裸、摔东西、酗酒、恶言相对，这些年少时候禁忌的事，代表着所谓正常生活中剧烈冲突的场景，也许能在年轻时给枯燥或压抑的人生带来一丝快慰和酣畅淋漓的发泄，却无法在心里衰老后带来一点实质上的安慰。

连翱翔城市上空这件事都透着无奈和腐朽气息，你们奋斗着庸庸碌碌的人生，我们懂艺术，我们会飞，我们会谈论，我们有哲学，然后呢，艺术、飞、精辟话语、哲学问题不足以满足空虚的时候，我们误以为关注度，在乎，be relevant是我们需要的。

于是几乎每一步都是在乞求被爱，乞求被观众爱，被异性爱，被亲人爱，虽然自己不知道怎么爱，也不知道拿爱怎么办，终于被爱的时刻也并非感到了满足，照着镜子看到的还是fucked up的自己，脑中那个空虚的不肯脱下戏服面对人生始终还号称知道真相却只能扰乱自己心房的鸟人还在身旁。

7 What makes life bearable? Love? Dream? Money? Attention? Care? or Just a purpose? or A lie that you deserve to be relevant? The unbearable lightness of being is you stop thinking you are relevant to anyone, include yourself, and then you cannot feel being. 虽然长镜头和神剪辑让电影有点噱头，但是整体内容散发的信息是，This movie is not for everyone.

冈萨雷斯用观众能明白的方式和自己对卡佛的理解，拍了部卡佛小说改编的电影，情节不是从小说来的，但人物的构思是。

卡佛小说《当我们谈论爱情时我们在谈论什么》，电影《鸟人》就是以这个小说作为背景塑造人物的。

小说很短，就一个场景，两对夫妻在餐桌边聊天，谈论爱情。

其中一对相处一年半，感情正浓，作为烘托。

另一对相处五年，丈夫有些自大，喜欢夸夸其谈，妻子受不了这个，老是阻拦他说下去，破坏他高谈阔论的兴致。

妻子缅怀着她的前男友，尽管他揍过她，尽管和他在一起时她出轨跟现任丈夫打得火热，可是他为她自杀了两回，而且真的吞枪死了，他在妻子心里的地位反而比丈夫要高。

电影把这一幕放在开头，作为两个演员第一次见面的对手戏，他们用这场戏较量演技。

小说表现的是平静场面，一个固执己见一个息事宁人，电影变化了，表现两个男人的争执。

而且这个变化是配角提出来的，显得他的演技和对戏剧的理解更高一筹。

此处的潜台词是，谈论爱情的话题让另一个丈夫不安起来，急于想换话题。

这么一改，角色冲突和内在情绪就比小说激烈了。

小说本身很电影化，充满潜台词。

但是《鸟人》没有直接改编，而是把那个被谈论的自杀的男人变成主要角色编成一出话剧，电影故事就是围绕过气老影星自编自导自演这出话剧展开的，最后一场演出，主人公开枪自杀的一幕也变成决定戏里戏外人物命运的高潮。

迈克尔基顿本人、《鸟人》主人公过气影星瑞根、过气影星扮演的根据卡佛小说改编的话剧角色、以及卡佛小说里自杀的男人，这四者有微妙的共性。

同样，爱德华诺顿本人、他在电影演的明星麦克和话剧角色、以及小说里叨逼叨的丈夫角色，也是气质相仿。

导演选角和构思太绝了。

老头儿瑞根是失败的化身(当然是从主流价值的角度看)，一辈子挣扎，一辈子没翻身，他的颓败成了他的传奇，自杀成了他的抗争。

明星麦克成功了，自命不凡，招人讨厌，跟周围格格不入，予取予求惯了，简直恨不得随时随地把生殖器塞到哪儿爽一把，结果有一天举不起来了，他才开始去认识女人，感受女人。

麦克和大眼睛姑娘在天台的对手戏很有意思。

在他自认为能控制的性关系里，只要欲望来了，他随时随地想干，只有给他两耳光能让他消停。

可是面对他胆怯的美，他就知道害臊了，在真正的尤物面前，对方浑身荡漾的青春让他魂不守舍又怕丢丑，他一而再再而三地退却，退到自尊的堡垒后面试探。

两性的挑逗是一种舞步，they talk，then fuck。

美来自于克制和真诚。

当他敞开自己而不是急于求欢，她接纳了他。

卡佛小说有这么一段谈话：“我们当中有谁真正懂爱情吗？

在我看来，我们不过是些爱情的新手。

我们彼此相爱，但不过是肉体之爱，那种把你驱向某个特别的人的冲动。

还有对另一个人本质的爱，爱他或她精神上的东西，每天都关心着另外那个人。

”卡佛借这个大发感慨的丈夫之口讲了一个情感之爱的小故事。

一对老夫妇遇上车祸，在医生抢救下多活了两星期。

他们浑身裹满石膏像木乃伊一样动弹不得，转眼珠都费劲。

老头儿闷闷不乐，不是因为车祸重伤快要死了，是因为“他该死的脖子转不了，没法看看他该死的老婆。

看不见那个狗日的女人，简直要了老狗东西的命。

”(卡佛原话就这么脏，我改了一下，原文还是有点书面腔) 顺便一扯，脏话这东西，没什么可标榜的，就是一种出身成长的烙印，你来自哪儿，你周围人怎么说话，你的性情，都在脏话里了。

我一直不明白戏剧舞台的魅力。

《鸟人》赋予了舞台迷幻效果。

一面是主人公逃避的恼人的现实，一面是不断置换幕景的虚构的表演，倾诉爱意的喃喃细语或是朗声咒骂对失败人生的忿恨。

I fucked up！

你明知道这个事实却拒绝承认。

看到老头儿睡衣被门夹住只好脱掉衣服光着身子狼狈穿过闹市钻进剧场窘迫至极还得当着满堂观众卖力演出那一幕，我从哈哈大笑陡然失声痛哭……那滋味儿，我受着呢。

我破产了，我睡不着觉，这场戏成了我自己的缩影，如影随形，拿个小锤子一直砸我的蛋蛋。

老头儿嚼着面包嘟嘟囔囔。

他穿过黑暗长街，压抑的琴声响着，有人声嘶力竭朗诵《麦克白》：“我们所有的昨天，不过替傻子们照亮了到死亡的土壤中去的路。

熄灭了吧，熄灭了吧，短促的烛光，人生不过是一个行走的影子，一个在舞台上指手画脚的拙劣的伶人，登场片刻，就在无声无息中悄然退下。

它是一个愚人所讲的故事，充满着喧哗和骚动，却找不到一点意义。

”老头儿从这个如痴如醉的戏疯子身边走过，扫了他一眼，这厮立刻停了表演，诚惶诚恐跟他套近乎，我就是想让你看看我能做到什么程度。

so，受到启示的老头儿在舞台上轰掉了自己的鼻子，一举成名。

这当然不是狗屎励志故事，是讽刺成功。

你丢不掉你的痛苦，你只能狠狠暴露和嘲弄它。

撕碎自己，你就飞起来了。

迈克尔基顿不是杰克尼克尔森、安东尼霍普金斯这号儿演员，举手投足浑身是戏。

他非常普通。

《鸟人》他卯足了劲，还不是那种魅力四射的状态，不，他的特征就是不起眼儿。

舞台、造型、灯光、台词给了他光芒。

他打动我的恰恰是那种力不从心的状态，他的弱吸引了我。

他抱着爱德华诺顿痛说童年伤痕那段儿，我觉着是这个角色真正的阴影，虽然他笑着谎称在演戏。

他的天赋达不到，他只能豁出自己，用真实的血和痛迷住观众。

这是弱者的悲哀。

也是弱者的独特。

老头儿真像从卡佛笔下走出来的人物。

破碎的童年让他拥有破坏的力量。

他在结婚纪念日，被老婆抓奸在床。

跟他同居的女人，两年没听过一句好话。

电影开场，他就把看不顺眼的配角废了，这个笨蛋连台词都说不好，更别提表演了。

一见报纸头条夸的全是配角麦克，老头儿直接抡拳开战。

因为生活带给他的只有羞辱，他也喜欢羞辱别人。

这一点，在那位女评论家身上，同样隐隐体现。

电影里，每个角色都是“烂摊子”，背着一堆生活强加的羞辱，难受得要死。

可是，冈萨雷斯用很喜剧化的手法去表现，让你感受不到太多沉重。

包括老头儿的死。

他在舞台上一枪结果了自己，但是电影尾声，经纪人赶来报喜，大批记者在病房外拥堵，女儿跟他和解，全是他眼巴巴盼了一辈子的好事儿。

尔后，他才变身“鸟人”升天去了。

死，都死得这么喜感。

超现实和现实混杂在一起，无缝衔接的悲喜情绪，让卡佛的沉重变成好莱坞麻辣爆米花，谁都能来一口，每个人吃出不同滋味儿。

再谈谈爱情。

同居的女人告诉他怀了孩子，老头儿不知说什么好，等于什么都说了，女人给了他一耳光。

最后一幕演出前，老头儿决定死在舞台上，跟妻子在化妆间话别。

他说起伤她最深的那次，被妻子抓奸在床，他开车到海边自杀的糗事，因为让水母蛰得火烧火燎没死成。

他最不堪、最窘迫、最粗暴、最荒唐、最软弱的部分都给了她，她接纳了一切，直到无法承受而离开。

当他坦陈往事，没有说一句抱歉，而妻子吻了他。

我现在觉得爱情、婚姻、外遇、一夜情，都不过是形式，真正两性关系上的赤裸不是脱了衣服就实现的，而是完全不惧伤害的能够向另一个人和盘托出自己，哪怕最卑污狰狞的一面也能释放，这个过程双方自然是痛苦的，但这种痛苦包含了深刻的信任和难以割舍的吸引，你知道你在另一个人那里无论如何也得不到这样的接纳和理解，这种爱大概一生只有一次。

我相信有过艺术创作经验的人会格外对这部电影心有戚戚焉。

艺术家的生命本就与常人有别：希望生命为艺术而燃尽，希望灵感之神眷顾自己，比一般人更敏感、更自尊（片中反复提到的ego），更渴望被承认——100多分钟的影片其实也是创作者自身的“证明之旅”，我相信每一分钟都带着创作者的炙热体温。

相信这也是真正打动6000多人的奥斯卡大评委会（都是圈内人）的根本原因，而非被大家热议的长镜头、超现实主义。

即便观众不是演艺圈人，片中主角瑞根也一定在某些方面击到很多人的心灵深处。

都曾有过少年轻狂，觉得自己卓然众人，拥有些别人没有的天赋。

在心里嘲笑周围的人是多么可笑、庸俗：I’m not nobody, but SOMEbody. I’m above them all. I don’t belong here. I’ll prove it to you one day.然后生活给了你狠狠一记耳光。

生活和时间告诉你，你并不比别人优秀很多。

也许你确或取得过一些成绩，但那也不足以让你傲视群雄，不足以让你得到内心的真正满足。

年岁渐长，你发现当初许下的愿望离你越来越远，失望和焦虑，缠绕着每天疲于应付日常生活工作的你。

你嘲笑世界的荒谬，别人的可笑，新闻的浅薄和舆论的弱智（像电影里说的,people love this shit. They love blood. They love action. Not this talky, depressing, philosophical bullshit）。

你发现你可以轻易鞭辟入里各种现象的荒谬，但你也会发现，你永远是各种现象的冷眼旁观者，你永远站不到舞台的中央、聚光灯下。

你可以嘲笑郭敬明的浅薄，但年入几千万、坐拥上海豪宅的可是他，不是你。

你安慰自己平凡就是生活之道，但内心的那个声音又总在不经意间跳出来，像瑞根心里的那个鸟人对你耳语：you don’t belong in this shithole.于是你想来一次绝地大反击，孤注一掷倾尽所有来一次冒险，去追求那个危险而诱人的“梦想”，只为像周围那帮庸人证明you’re somebody!You’re NOT them!可惜生活多半会再给你个大嘴巴子，告诉你也许有点才，但你也不是Raymond Carver，可以创作出真正不朽的作品——据说多半的艺术家都是这么疯的。

于是6000多个奥斯卡评委热爱这部电影——虽然它也狠狠地嘲讽了他们一把。

你可以说这是小圈子文化的狂欢，但它里面的几句台词、几个场景真的可以让一个万里之外的观影人，一个和好莱坞和百老汇无半点瓜葛的人，在某个夜晚，昏黑逼仄的出租房里，破败的电脑屏幕前，掬一行热泪，想起那句“座中泣下谁最多，江州司马青衫湿”。

《鸟人》的script是classic级别的，在很多方面让我想起《日落大道》，同样一部关于“英雄垂暮”的电影。

你可以光捧起剧本，一句句念英文，就可以或会心一笑、或击节赞叹——试试读读那些票房大卖的大片的剧本，你就能明白脱离了那些声光电影之奇观，这些电影有多么可笑。

我个人尤其喜欢那场瑞根和影评人酒吧里的交锋。

我只能说瑞根对那个老女人的嘲讽是如此到位：只会“贴标签”，空谈“结构”、“技巧”。

弄几个自以为是的“比喻”、引经据典一下，就以为自己多睿智、多么能驾驭那些话剧（以文字为职业的人大概都懂）。

从另一方面我也特别能理解老女人对他根深蒂固的仇恨：因为瑞根代表的是那帮被宠坏的、自私的、演了个蝙蝠侠就觉得自己什么都能演的人。

另一幕是瑞根开枪自杀后，一段意识流影像的呈现，伴随着密集的鼓点，一轮白日在陨落，空中划过一道凄美的弧线，在那世界末端，世人遗弃之所，泥潭里横陈的鸟类尸体、荒凉、孤寂，像心灵里某个沉寂的角落、濒临死亡前最后的回光返照。

说不清那是什么，但好美、好苍凉！

电影里，瑞根的一记枪响成全了话剧的意外成功。

真实世界里的，你那膨胀的小小野心，渴望被世界认可的那份绝望，existential crisis, 又该搁置在何处？