水形物语

在吉尔莫·德尔·托罗迄今为止导演的十部电影长片中，怪物形象毫无疑问地要比人类角色有着更重要的位置。

他们之中，有的比人类更像人类，有的让人类更像人类。

这一坚持自然有着悠久的传统：自玛丽·雪莱的《弗兰肯斯坦》在200年前诞生以来，怪物们就不仅仅是纯粹的恐惧化身了。

在许多时候，怪物是人类以“非我族类”的的名义，进行自我摧残和自我毁灭的象征物，在它们身上，甚至还要更具有人性一些。

德尔·托罗的怪物电影，在某种程度上，是迪士尼传统手绘动画，与环球经典怪物电影的有机结合。

在形象上，凭借现代的化妆技术和传统的造型设计，能够很好地传递出恐惧和惊悚感；在精神上，它们又往往与人类一样细腻，甚至还要单纯和与世无争。

与之相对，则是人类反派们的贪婪，残忍与无情。

《水形物语》在立意上并未有太多创新，依旧是黑童话的反传统，依旧是对人类情感本源的探讨，以及对社会环境的映射。

但在德尔·托罗的复古浪漫主义的渲染之下，显得格外富有情感力量。

每一个镜头都是他的调色板，带来了有效的视觉震撼。

长期游走在娱乐大片和艺术电影之间的德尔·托罗，在《水形物语》中找到了全新的基因，也就此奉上了自《潘神的迷宫》以来最好的作品。

在《水形物语》的身上，艺术指导保罗·奥斯特伯里通过水准颇高的场景设计，为影片提供了独特的视觉体验，阴暗潮湿的空气仿佛跃然毛孔之上。

而摄影师丹·罗斯特辛透过对光线的运用，在《水形物语》中的镜头调度富有美感，深沉而又梦幻，在动作戏和文戏之间形成了良好的有机结合。

我们同样也看到了许多经典电影的影子：《E.T.外星人》，《金刚》，《黑湖妖谭》，以及《美女与野兽》。

《水形物语》一遍又一遍地显示了对“非我族类”的妖魔化，和对生命尊严的无情否认。

在角色设计上，“超前”的同性恋和非裔夫妇，让电影在种族主义和社会分裂上有了更多实感，打通了银幕童话与现实世界的界限。

作为2017年又一部拯救“异形”的主流电影（另一部是《玉子》），《水形物语》在表演上的倚重令人心满意足——当然，这也是德尔·托罗的基本原则：在幻想世界中设置一系列身处夹缝的，真实的人类角色，比起在特效上无止境的追求远要更加重要。

除了《帕丁顿熊》和《蓝色茉莉》，这是莎莉·霍金斯极为少见地担任主要角色的电影之一。

这位资历丰富和充满才情的英国女演员，早年间就以《指匠情挑》等一系列文学性丰富的电视作品备受关注，也曾以迈克·李的《无忧无虑》捧回多个影后奖项。

但无论如何，她在本片中的哑女形象极富说服力和感染力，无需台词，仅通过她的手语或者一个眼神，就足以展示角色的充沛情感。

而与其配戏的道格·琼斯也是《水形物语》获得成功的秘密之一。

这是他参与的第六部德尔·托罗电影，在本片中，他仅仅使用类似哑剧一般的手势，就使这个异形角色展现出类似人类的智慧，灵魂和好奇心，也格外可信。

其他演员方面，奥克塔维亚·斯宾瑟就像今年的《隐藏人物》一样，为电影带来了一股新鲜空气，和理查·詹金斯一起，奉上了片中多数有趣的桥段。

至于迈克尔·珊农的反派角色，虽然缺乏惊喜，但也挑不出什么问题。

这对于一个承担反一号的演员来说，就已经算是完成了重要任务了。

一位优秀的艺术家并不一定会取悦观众，但却会讨好自己。

在德尔·托罗的大部分作品中，这两件事情能够获得很好融合，我们也能够看到台前幕后诸多艺术家的奉献精神。

德尔·托罗知道如何把虚幻的梦境变成现实，也能够在作品中赋予敏锐的洞察力和深层意义，《水形物语》也不例外。

和《潘神的迷宫》和《猩红山峰》相比，虽然采用了类似的超现实题材，但《水形物语》显而易见地要比之前的德尔·托罗电影要轻快，也更有趣——这并不是说电影没有血腥与暴力，而是浪漫主义的情感故事才是电影的核心所在。

德尔·托罗以此去探索爱的真谛，这一过程也成为了一种真正的美。

《水形物语》是一部奇特古怪，而又感人的杰出作品。

如果德尔·托罗之前的电影对你来说太过阴暗或可怕，那么《水形物语》的迷人幻想，则一定能让你发现他的美好。

太难看了，所有角色都是脸谱化，别说我看不懂，我看懂了，不就是想贬低WASP么？

不就是证明自己极度“政治正确”么？

里面绝对的反派就是个纯种参军的异性恋美国白人男性，次一点的反派是个移民的异性恋白人异性恋男性和黑人男性。

正派人物无外乎是语言功能障碍的白人女性、黑人女性、同性恋白人男性和一个异形……这些和纯种异性恋白人男性不太一样的人。

诚然他们应该受到重视和获得同等权利，但是并不等于要矫枉过正地贬低另一批人。

片中为了拯救一个不知来自哪里的怪物，而杀死一个无辜的尽忠职守的美国保安又是平等的体现吗？

就像在奥巴马当政时期，一个偷渡来的非法移民的补贴居然高于为一个国家辛劳几十年的白人养老金一样可笑。

如果说你们要的是社会的平等，可是，这难道是真的平等吗？

这不过是少数人的暴政罢了～

水形物语 (2017)7.22017 / 美国 墨西哥 / 剧情 爱情 奇幻 / 吉尔莫·德尔·托罗 / 莎莉·霍金斯 道格·琼斯

作为金球奖多个提名，奥斯卡大热门，水形物语这部电影在美国院线的排片少的可怜。

在休斯敦，只有两个影院，加起来每天大约安排8场；同时期的星战，几乎每个影院都有大小各种排片，粗略数过来每天大概195场。

25倍的差距。

半年前刚看到剧照和预告片的时候，预感到会是一部文艺长片，长并不是时间本身，而是因为通常因为自带的文艺属性，剧情拖沓，违和，长镜头多，让时间变得很长，坐卧不宁，担心一同带去的不爱看文艺片的朋友看片中间和看完之后的白眼（对，我在引用银翼杀手2049）。

因为怪物的存在，电影会让人觉得不安，丑陋，害怕。

我预期的是一部会挑战我诸多舒适区的一部电影。

怀着这样的期待，我走进影院。

观影本身从各个角度都超出我的意料，电影本身情节紧凑有序，逻辑合理，人物的性格和行为几乎完美的贴合了这个故事和故事所处的时代。

这种逻辑和故事上的自洽，让人轻易就沉浸其中。

电影结束的时候，一片掌声里，我不记得电影有多长，只是觉得时间稍纵即逝。

对，这是一部让时间变短的文艺片。

我觉得情节的精心构思是这部电影之所以精彩的基石，看完特别满足。

故事情节大致如下：在上世纪六十年代初，冷战氛围下，哑女Elisa在一个机密实验室做清洁工。

哑女生活规律，寂寞，夜夜自慰。

她体形修长，骨感，脖子上有三道疤痕，据说是小时候就有的。

她的朋友圈有黑人逗逼小伙伴Zelda和邻居中老年脱发弯男插画师Giles。

她平淡的生活一天被一个神秘事物打破。

白人长官Richard给实验室带入一个水生生物（类似男人鱼），和实验室的科学家们一起研究。

所谓研究，就是严刑拷打。

满地的血污让Elisa和Zelda得以应用自己的专业所长，清扫战场。

在打扫的过程中，Elisa和男人鱼接触，熟悉。

Elisa也被这个神秘的物种吸引，常常给他带点吃的（剧组为省钱选了鸡蛋）。

长期的实验没有结果，让Richard和他的将军上司失去耐心。

他们决定杀死男人鱼，从研究活体变成研究尸体。

Elisa了解之后决定一不做二不休偷走人鱼，并决定下个月10号的时候把他从运河送走。

10号的时候，运河水位升高，城市会开闸放水，人鱼也可以从河道回到大海。

杀死人鱼的决定也激怒了科学家Robert，他看到Elisa的行动，并暗中予以支持。

原来Robert不光是科学家，还是苏联的间谍。

对神秘物种的爱让他决定背弃自己的间谍任务（毁灭人鱼让美帝也研究不了）。

几方的努力让行动成功，黑人小伙伴，弯男插画师和间谍科学家齐心协力把人鱼送到了Elisa的浴缸里。

一起生活中，插画师发现人鱼有能力可以恢复别人的受伤，甚至让秃头重新生出毛发（程序员的福音）。

而主角Elisa和人鱼在一起生活之后，两人也感情升温，竟神秘地跨过了物种的界限。

另一方面，愤怒的Richard用尽办法，想要在很短的时间里找回人鱼。

浴缸太小容不下人鱼，他日渐衰弱。

Elisa和插画师决定按照之前的计划从码头送走人鱼。

Richard顺着蛛丝马迹找到Robert，揭破他间谍的身份，拷问到了Elisa和Zelda偷走人鱼的事情。

千钧一发之际，在码头上，Richard找到了Elisa，插画师和人鱼。

一片枪声中，Elisa腹部中弹，人鱼胸中两枪，插画师被直接一拳击倒。

在坏人即将全面胜利的时候，插画师爬起来用铁棍打伤了Richard。

人鱼在中两枪的情况下竟然自愈，缓过劲来之后反击Richard，戳破了他的喉咙。

故事没有介绍Richard的结局，他如果没有死亡，那也会成为一个哑巴。

人鱼抱着中弹的Elisa跳入大海。

影片结束的时候，是电影海报里的画面。

在插画师的口述中，人鱼和Elisa在海中拥抱，本已死亡的Elisa在水里睁开了眼睛，脖子上从小就有的三道伤痕变成了鱼鳃，他们一起成为了水里的生物。

这个结尾我特别喜欢。

这是插画师的口述，他或许加入了自己的想象，这个浪漫的想象有情节本身的合理性（Elisa的伤痕，人鱼的能力和在人类社会不被接受的孤独），也有他对自己好朋友的爱。

也许两人最后都是以死亡告终，但是这又有什么关系呢？

导演用这样的方式告诉了你一个结局，你可以选择接受，也可以嗤之以鼻。

从某种意义上，我觉得这样的处理和我们认为逝去的亲人会以灵魂的形式存在一样，对于留下来的人来说，真相不重要，对事件的理解比真相更重要。

我的观影体验如此之好，让我疑惑为什么这样的电影只有这么少的排片。

合理的解释是，这是一部有野心的冲奥电影，带到明年二月奥斯卡颁奖之后，院线会补放一次这个电影。

这个电影第二个让我特别满意的地方是音乐。

五六十年代什么最流行，歌舞片。

Elisa虽然是哑巴，但她酷爱音乐，跳舞的节奏感也很好。

这种小小的爱好在她和插画师一边看电视一边坐在沙发上用脚跳舞可以看到，也在她打扫卫生时候拖地有规则有韵律的动作中也可以看到。

我想，观众在捕捉到这种细节的时候也会和我一样畅快的笑吧。

Elisa在和人鱼对面无言的时候，她心里在用最大音量唱歌，和他一起跳舞。

这种使用音乐的方式，和其他一些精彩的电影一样，向过去的那个黄金时代致敬。

我说的其他的精彩的电影，是绿色英里里面，老年的Tom Hanks回忆和爱人跳舞《脸颊碰脸颊》，Cheek to Cheek （Ella和Louis的爵士名曲）；是机器人瓦力里面，瓦力总也听不厌的《穿上你星期天的衣服》，Put on Your Sunday Clothes；是几年前的奥斯卡影片艺术家里的无声韵律；也是去年的大片La La Land里的歌舞青春。

这种使用音乐的方式，有爱，有回忆，永远不嫌多（对，奥斯卡评委们也特别喜欢）。

这个电影第三个让我喜欢的地方是用到的各种明喻和暗喻。

在这些比喻里，我感到导演最大的野心。

Richard傲慢自负，对除了将军之外的所有人都毫不尊重。

他是一个化石标本一样的白人至上主义者。

用五六十年代的背景来讲故事，导演可以把这些人的嘴脸毫不留情的全部表现出来。

他对黑人鄙夷，对属下要求毕恭毕敬，对能够表现自己地位的物品特别着魔。

电影里用了两个细节来体现，他随身的电棍，是他的武器，随时准备对周围的人挥舞。

他在凯迪拉克的4S店，在销售人员的吹捧下轻易了买了最豪的车。

这样一个人，也对自己毫不留情，片头的时候他被人鱼咬掉了两个手指，后来虽然接回来，但是并没有得到营养，日渐腐烂。

他可以在愤怒的情况下扭断自己的手指。

在追击走失的人鱼时候，受到将军的压力，他也会对着镜子打自己，说“你可以行”的话。

这种对他人和对自己的残酷，是这些人的属性。

在一个强调阶层分化和种族隔离的社会，上位者过的并不轻松。

系统自动的筛选出来这样的人来成为他们中的领导。

悲悯的白人至上主义者是很难存在的。

在皮尔斯 布朗的《红色崛起（Red Rising）》一书里，作者详细的讨论了上层是如何自我淘汰的，血腥发生在阶层之间，血腥也发生在阶层内部。

Elisa，插画师Giles，黑人朋友Zela和人鱼都代表了少数派。

他们是身体“不健全”的人，如Elisa哑巴；是精神状态在主流社会里“不正常”的人，如弯男Giles；也是种族“低”的人，如黑人Zelda；也是神秘不为人所知的群体，如人鱼。

Richard在不同场合里对他们的压制，我觉得象征了社会里人群之间的互相挤压。

在落后的时代和社会里，人类的主流是排斥异类。

这些异类，互相成为好朋友，抱团取暖。

片子里也有很多辅助的人物，展示当时阶级分化的侧面：如偷偷吸烟的众多黑人打工仔；空座满地的酒吧拒绝衣着严谨考究的黑人夫妇；电视里黑人的暴动和警察的镇压，等等之类不一而足。

一个现代的社会应该能容得下不同的人和少数的人。

越是看到这样的黑暗，越是期待光明的一天早日到来。

情节、音乐和比喻之外，不得不说导演对Elisa这个人物性格的塑造完成度特别好。

她沉默而机敏，电影里处处可以看到她有急智的一面。

她渴望朋友，珍惜任何一个可以沟通的机会。

这里就很好的呼应了为什么她能够和人鱼发展出浪漫的关系。

孤独和对爱的渴望，会跨越很多东西。

而孤独本身，也让她能更清楚自己想要什么。

她很勇敢。

片子一开始，她轻松在地上捡起Richard断掉的手指。

这样的细节映衬出为什么后来她可以直面人鱼而不是被直接吓跑。

面对Richard的骚扰，她也可以坚定的用手语打出F U的手势，而且不止一遍。

主角本身的表演也特别棒。

坦白来说，她的长相并不是传统意义上的美人。

角色没有声音，所有的感情都通过手语和眼神传递。

她的一颦一笑都牵动观众。

在第一个镜头里，躺在床上的她一脸皱纹，肌肉因长期劳作而变得粗糙，我心想导演怎么选这样一个（不好看的）人来出演一部浪漫电影。

在最后一个镜头里，我已经完全爱上了她，并衷心的祝愿她幸福。

最后，提一下电影里萦绕的神秘主义氛围，我认为来自克苏鲁神话。

据我所知，希腊神话和西方传统童话里的人鱼都是女性，如水妖Siren，如安徒生笔下的人鱼公主。

只有克苏鲁神话中，人鱼近似男性。

他们被称为深潜者，魚頭人身，身上的主色是灰绿色，但有白色腹部。

四肢的指间有蹼，身上覆有鱗片，颈部有鳃，身上有浓厚的鱼腥味。

虽然外观看起来低能，但深潜者是除非被杀害否则就会永生不死的高智慧种族。

在克苏鲁神话里，深潜者可以和人类生下混种的后代。

所生下的后代一开始与常人无异，但随着年岁增长，会渐渐表现出深潜者的特征。

当他/她完成变化的时候，这样的后代会从海湾入水，加入深潜者的族群。

这从科学的角度上，说明Elisa有可能是深潜者遗落在世界上的一个子民。

Robert如果不死，大概会做出这样的推断。

如果你遇到脖子上有三道疤的人，记得一定和他/她交朋友，他/她有可能治好你忧郁的脱发病。

Water falls from the bright airIt falls like hairFalling across a young girl’s shouldersWater fallsMaking pools in the asfaltDirty mirrors with clouds and buildings insideIt falls on the roof of my houseFalls on my mother and on my hairMost people call it rainThat's one shape, of the water

本片看上去就是一个“海鸟跟鱼相爱 只是一场意外”的跨种族的爱情童话。

牛逼的场景和造型设计（与《地狱男爵》和《潘神的迷宫》一脉相承），复古温馨的调调，皆大欢喜的结局，爱与善良的胜利。

一切都很美，一切都很美好。

但细究起来，还是有很多耐人寻味之处。

故事的两方，一边是哑巴，同性恋，黑人，在故事设定的60年代，不是要遭人另眼相待指指点点，就是要隐藏身份埋头做人。

而另一方，是过着完美中产生活的白人中年男性，事业风生水起，有一个金发漂亮老婆，一双乖巧的儿女，“水鸭蓝”色的最新款凯德拉克，翻读一本“positive thinking” （《正能量》？

）。

而真正的善恶美丑，却与这些标签无关的。

再比如外表阳光帅气的餐馆招待和科学家身份的俄国间谍，谁能凭外表发现一个充满偏见和仇视，另一个却善良而坚持自己的正义。

本片讲诉着一个简单的道理：don’t judge by appearance而影片中的鱼人，何尝不是对那个年代的“异类”的一种比喻？

比如跨肤色/同性别的恋情，在那个年代保守的世俗眼光看来，又何尝不像是爱上了亚马逊河流里的水怪？

而女主对这些奇形怪状不以为然，她在乎什么呢？

“当他看我时，他没有发现我有缺陷。

他把我当作一个完整的个体。

” 在鱼人的心中，那些肤色啊样貌啊都不重要，因为我不在意没有那些衡量，在我眼中你已经很完美了。

寂寞已久的芳心，遇到这样一个人，怎能不心动？

女主出色的演技是本片不可或缺的一部分。

远远看去，女主看起来就是个普普通通的中年妇女，样貌打扮丢在人堆里毫不起眼；但仔细观察亲密接触，却迷人可爱又有几分神秘。

陷入爱情时的双眼一闪一闪，像湖底的星星。

女主是难得的有少女心却让人不讨厌的。

“少女心”这个词真是被用烂了，感觉差不多等于装嗲花痴加个粉色滤镜生活不能自理。

而女主，害羞却友善，相信爱情和缘分，敢奋不顾身，给小怪物剥鸡蛋播唱片，把浴室弄成泳池，一个彻底的罗曼蒂克份子，这样的“少女心”，好可爱啊。

我本身非常喜欢《潘神的迷宫》，而本片因为它的立意和故事，虽然同样是华丽精致的复古成人童话风格，但接受程度更好。

很庆幸del Toro在《环太平洋2》和此片之间选择了后者。

红绿的配色，温暖的主题，在很适合圣诞看（我就是圣诞节晚上看的，村里小影院坐满了穿着圣诞毛衣的空巢老人hhhh）。

当然也有几个突如其来的黄暴镜头，但始终是美好清澈，柔情似水的。

最后补充一句，这片猫猫戏份吃重，好奇的朋友们，不要错过

我没强求任何人同意我的观点。

拒绝吵架。

他们说这部电影是为边缘人群、孤独人群、缺爱人群拍的，因为它极其浪漫美妙地描绘了一场不存于现世的纯洁爱情。

爱情的美好对比冷战的肃杀，“怪胎们”的情感对比“正常”人类的无情，让被忽视的人觉得被温柔地对待了。

再加上如梦似幻的艺术指导：）和令人人身心高潮的迷影梗：）小众群体迎来了专为自己打造的狂欢——尽管它从广义上讲献给所有人，包括同样被戳中、被感动的现充。

但我并不觉得自己被公平地对待了。

我一向喜欢怪物，在《地狱男孩》当年面世的时候喜欢Abe，同样，我也不介意和鱼人谈恋爱。

尤其是片中鱼人堪称英俊还苏。

但我同样清醒地认识到——他的作用和一个性玩具无异，把他替换成电动海豚也毫无违和感，这是一个被严重物化的角色，其存在目的只是为了那个“怪物”标签。

在这样一部爱情片里，爱情反而是讲的最烂的一条线。

我看到的是孤寂女主单方面对鱼人的痴迷——假定女主是人鱼设定，这也可以理解，但是影片从来没有真正表现他们的情感发展过程，似乎只是急着让他们尽快走到水下鼓掌的那一幕。

因为环境限定，只有女主是主动的。

两人真正建立connection的点到底在哪里？

有哪一刻那种痴迷和被定义为友情的东西变成了爱情和肉体关系？

女主声嘶力竭对基友吼出的告白更像是强行用台词告诉观众——看到了吧，就是这样爱上的！

这就是她爱他的原因！

可这究竟是为什么啊？

那一段简短的蒙太奇明明什么都没有cover到，到底哪来的romance？

这部电影根本没法好好讲爱情，因为它从来没想好好塑造鱼人这个角色。

电影通过研究人员之口告诉我们鱼人是智慧生物，但是到这里就停止了。

观众看到了什么？

一个被虐待的实验对象，被女主关怀的宠物，偶尔会发飙吃猫，可以鼓掌。

然后呢？

他具有怎样的个性？

他眼中的女主是什么样子？

这个角色只能被贴上一个个标签吗？

这应该是一部关于“无声者”、“边缘者”同样拥有灵魂的电影，但是在感情发展过程中，鱼人的灵魂在哪里？

这个灵魂到底如何打动了女主？

仅仅因为他无口？

被人类虐待多时，结果女主送个蛋跳个舞就上钩了这正常吗？

女主想象中的“他看到的我是真实的我”是不是个伪命题？

二话不说啃了猫的鱼人真的可以全面理解女主吗？

鱼人在最后被定义为神，可是在本片的塑造下他和海豚有区别吗？

两人的精神互动不应该是着重表现的吗？

可能要花一个月，可能要花一年，但是一定要存在被双方所理解的交流吧，就算鱼人可以飞速学习女主的手语，那么他的想法是什么有谁真的知道吗？

所以这到底是个怎样的男主角！？

你这么匆忙地把感情线快进过去了，这速度是不是比app约会还快？

或者导演觉得这一切都不重要，这部电影可能不关于你所理解的爱情，这是两个怪胎以常人无法理解的方式谈了一次恋爱，跳过了常人需要的、建立感情的关键节点。

水到渠成？

不存在的，导演让他们爱了他们就爱了。

你无法理解那是你作为正常人类的局限性。

这给人的观感还不如《金刚》和《Chappie》啊。

与时俱进后，前者在金刚和安之间建立了联系，安对金刚的感情是一条非常明显的“拒绝-接受”路线，可谓循序渐进，最后安给予金刚的反馈也不违和；Chappie的情感线路则是有进有退、螺旋上升，学习、认知、矛盾、和解，影片全程都在塑造两个互动的灵魂。

这两部人兽和人机难道不比这段人鱼恋reasonable得多？

我猜感情戏本该成为这片的重点，但是它花了太多的笔墨在繁琐华丽的细节上，和其实一点都不刺激的研究所支线上。

珊农贡献了近几年最糟糕的反派，简直比最漫画的超级反派还要漫画，我认为现在已经不存在这种陈词滥调的反派了，然而这个角色的陈腐度依然让人吃惊，而且十分强行，仿佛来自 60 年代——好吧，他就是来自 60 年代。

但这不是你把他塑造得如此无趣的理由。

你不能因为在拍一个童话故事所以就justify了一切陈腐而刻意的设定吧？

我想这部电影有野心，但是导演心有余而力不足，他的能力也撑不起这野心和情怀。

他试图描绘一段人鱼恋——即便它成功逼出了我的眼泪，但还是相当失败，因为男主角惨遭物化，让你完全无法跟进情感发展；避重就轻，沉迷细节堆砌，仅用最轻描淡写的方法写最关键的互动，描写爱上的过程让人诧异，仿佛导演没谈过恋爱；一些少数群体，在本片中与其说是被很好地代表了，不如说他们完成了自己的任务，即作为少数群体出现在屏幕上，热衷此事的观众因而兴高采烈地在checklist上 “LGBT”、“黑人”、“移民”、“残障人士”后面打钩，填充了一个个刻板印象的小方格。

除了导演对美工与怪兽的迷恋表现出来外，它根本不像一部作者电影，反倒是从上到下布满了制片厂精细加工的指纹和教科书似的公关，覆盖到了每一个点。

就算主题是在讲怪物，也保守得很，老旧得很，毫无新意。

我毫不怀疑这里的“怪物”只是在为本片增加时髦值。

我也毫不怀疑影评人喜欢紧紧抓住“少数”和“小众”不放以示自己的empathy和纯洁心灵。

对不起我不吃这一套。

作为一个怪兽片爱好者，我并没有觉得自己被公平地对待了。

我们为什么不能得到一部好好讲爱情的爱情片？

为什么仅仅给他们贴个怪物标签就可以打发我们？

而我们看到这个标签就该忘了它的一切匆忙和瑕疵，就该忘了它失败的感情线，就应该为导演有这份顾及少数群体的心而鼓掌？

凭什么啊。

也许有人说，本片的重点不在爱情，你没看懂。

本片的重点是“被忽略的灵魂”，或者少数群体抱在一起对抗现实的残忍什么的。

那么《三块广告牌》没做到吗？

我甚至不好意思说，连 Get Out 都做的比这好啊。

对了，Get Out 至少剧本是完全原创，导演愿景被完全表达，还有那么点新意。

这部电影有一点点原创吗？

这部电影的哪一点不是其他电影探讨过的？

就连鱼人，灵感也来自Hellboy啊。

所以它为什么能拿BP？

学院看到diverisity和什么复古风就直接高潮了是吗？

那我觉得 2005 年的《金刚》真是太可惜了。

本就是一半《黑湖妖潭》一半《安徒生》的怪物呀！

黑湖妖潭动笔前，特意去导演页面看了下。

生于1964，算起来五十大几，是到了该讲情怀的年纪。

情怀一事，对于年轻人来说是没什么意义的。

人在年轻的时候总在畅想未来，每日忙忙碌碌，很少沉浸在过去的记忆中。

情怀与致敬这部《水形物语》，拿金奖之前从未关注过。

（真是多亏了翻译大人了将名字搞的如此“小确幸”。

）完整的获奖名单出来那天，随手翻下豆瓣页面，惊呼这不就是《黑湖妖潭》吗？

头几年，有一阵子很迷“怪物电影”，《黑湖妖潭》刷了好几遍。

当然，于我这代人不过是翻故纸猎奇。

而对于60年代，生活在西方世界的那些人，这部《黑湖妖潭》绝对称得上“集体记忆”。

温斯顿·葛鲁姆的那部《阿甘正传》，我指的是小说。

https://book.douban.com/subject/26274005/有一段情节就是在映射黑湖妖潭。

从太空总署退役的阿甘，去好莱坞参观，被朋友拉去演怪兽。

穿着厚重的胶皮外套，抱着一个名叫玛莉莲.梦露的女星从摄影棚的蓄水池中出来。

其间，由于胶皮戏服穿脱不方便，长时间未小便，失禁尿在池中。

女演员疯狂的尖叫，挣扎。

大概就是调侃这一幕了《阿甘正传》出了名的“小人物折射大时代”，将这一幕写在其中，足见其影响。

《水形物语》的导演吉尔莫·德尔·托罗曾表示：“当女演员朱莉·亚当斯在水面游泳，怪兽在她下方潜泳时，我感受到了爱。

”这也是拍摄《水形物语》的初衷。

《黑湖妖潭》豆瓣链接https://movie.douban.com/subject/1771608/

黑湖妖潭

黑湖妖潭就如同中年人总是絮絮叨叨的“想当年”，《水形物语》一片中充斥着大量的时代元素，我想，这或多或少的掺杂了导演的私人记忆。

例如冷战背景，登月竞技，还有大量对歌舞片的致敬。

片中，一直无法说话的女主角幻想自己在歌舞片中放生歌唱。

这一段的“布景”照搬了《海上恋舞》。

https://movie.douban.com/subject/1296933/男女主演弗雷德·阿斯泰尔，金吉·罗杰斯分别是歌舞片黄金时代的舞王与舞后。

海上恋舞

水形物语还有这一段，在好基友家中的踢踏舞。

水形物语一些其它60年代的电影元素。

比如，反复出现的《路得记》。

https://movie.douban.com/subject/3599025/

水形物语再比如，女主角在昏睡中的某些姿态，看起来很像《蒂凡尼的早餐》。

https://movie.douban.com/subject/1325958/

蒂凡尼的早餐并非是臆断联系，女主角莎莉·霍金斯承认在表演上参考了奥黛丽.赫本，为了达到某种“古典感“。

水形物语事实上，将女主角的家安置在电影院之上，这一设定本身就具有一定的致敬意味。

在影片中，你能反复看到这样的桥段，电视正在普及，影院人影稀疏，甚至混进去个怪物都没人发现。

插画也正在被相片取代。

人们似乎生活在“未来”，但有一些事情并为改变。

主体政治正确上文说道插画，就顺便多提一句。

片中女主角的基友，后来被水怪抚摸生发的那个，一直未定稿的插画事实上画的正是反派一家。

水形物语片子的反派理查德，出场很具黑色电影风范。

而他的家庭则是模板式的美国50－60年代家庭。

基友的插画作品，其中的红色果冻，在后来的剧情中被修改成绿色，因为绿色“比较流行”。

有意思的是理查德的妻子随后就端出了个绿色的果冻。

开最时髦的车，吃最时髦的果冻，这是个紧跟潮流，永不出错的家庭，仿佛插画广告中宣扬的。

水形物语很多人吐槽《水形物语》赢得奥斯卡靠的是政治正确。

主角们分别是哑巴，水怪，基佬，黑人，主旨也无非是小众群体如何面对歧视。

OK，我知道这个“主题”听起来很俗气，但并不能因此而否定它的价值。

如果说“尊重每一个群体的个体差异”是我们这个时代的政治正确，那歧视小众群体也是50－60年代的政治正确。

那个时代的人是由衷的相信，黑人和白人的肠道细菌不一样不能共用马桶。

搞基是种疾病，需要接受治疗。

要记住，《水形物语》一片的设定是60年代，大清已经亡了40多年。

（玩笑）我是在电影院看的这部，已经打了重码，然而“水怪”和女主滚床单的时候，依然有人惊呼“辣眼睛”。

更有人说“丑就不要秀恩爱”。

所以，你看，歧视依旧存在。

反复强调，包容，理解，平等本身没有什么问题！

妖潭再说回到《黑湖妖潭》《水形物语》几乎是《黑湖妖潭》的完美对仗。

两片中的水怪都来自南美亚马逊流域。

不过场景却由雨林换到了城市。

人类来到水怪的地盘，遭遇重重险阻。

而水怪，单枪匹马的杀入人类的领地，则脆弱无助到，需要一个瘦弱的小女子保护。

三条横杠的划痕，在《黑湖妖潭》中为探险队的“新发现”，在《水形物语》中则为女主生来所带，最终幻化成腮。

又一种说法是“女主本身携带着水怪的血统，这与她水边弃婴的身份也很吻合。

”还有一个比较有趣的致敬点，《水形物语》一片，在水怪未现出真身前，通过爪子，血迹等方式现身，已烘托神秘感。

这点与《黑湖妖潭》一致。

水形物语片中争议很大的一点，就是女主用手势向同事解答如何与水怪交配。

这真的很——恶趣味！

水形物语我猜这是源于导演本人的疑惑。

因为在《黑湖妖潭》一片中“水怪”就是没有小JJ的。

虽说它不要命似的追逐女主，但似乎抢到手也做不了什么！

请关注胯下责任自然在“海斯法典”，那是美国电影审查最严格的时代，怎么可能在电影中暗搓搓的放黄腔？

但事实上，我当年看《黑湖妖潭》一片是没有察觉这件事的。

（小JJ）并不是思想太单纯，只是自己没有的东西，自然而然的也就不那么关注。

从这个角度看，《水形物语》算是从生物学上为《黑湖妖潭》加了个注脚。

人鱼公主《水形物语》中的水怪常被称为“鱼人”，然而如若它真的源自“黑湖”则更应该是“蜥蜴人”因为《黑湖妖潭》一片中曾反复暗示过，甚至在影片的一开头还出现过一条真蜥蜴。

不过，具体到《水形物语》则不必纠结。

毕竟这一部可称得上是《黑湖妖潭》为表《海的女儿》为里。

作为讲述者的基友用语言反复加强故事童话气氛，“公主”“幸福的生活在一起”云云。

水形物语还有高跟鞋的暗指“每走一步都钻心的疼“。

（1.女主角很迷恋高跟鞋，影片中也反复出现了擦拭鞋子的画面。

2.女主角的同事曾多次抱怨，高跟鞋穿着不舒适。

）就如同安徒生所写的“海的女儿”，在人类的世界人鱼是异类，如果无法得到人类的爱就会化做泡沫。

如果说所有“怪兽”和“尖叫女王”的组合都源自《美女与野兽》。

那么这一波“找同类”的操作可以说是将故事推向了童话的另一头。

我们是否能认识到与我们在外表上存在差异的生命体也存在“灵魂”？

我们都喜欢美貌，厌弃丑陋，但最终使我们相爱的并非什么“美貌”或是“善良的内心”，而是认同彼此的灵魂，互相尊重，以及契合。

故事的结尾，作为观众，我并不确信他们是否能“幸福的生活在一起”，但我相信至少————不会“化成泡沫”。

这是部绿色的电影。

水是绿的。

汽车是绿的。

工作单位许多所在是绿的。

德尔·托罗显然是故意的。

电影开头场景，从梦中浮游到醒转，显示了绿色的微妙。

当涉及水与浮游时，绿色看来如此诗意柔曼；当回到现实时，绿色很阴森，甚至孤独。

实际上，电影里每个人都孤独。

是1960年代美国式的孤独。

女主角是哑的，寂寞的——上夜班，千篇一律的生活，乐趣是在澡盆里撩水自慰。

插画师是孤独的——画作始终没被接受，又是一个同性恋，始终与猫为伴。

泽尔达是孤独的——她是一个处在种族歧视猖獗年代的黑人，有一个背痛得无法动弹，明显也志趣不同的丈夫。

她唯一的朋友是个哑巴。

苏联人是孤独的——自己人不信任他，美国人不信任他，连自己的名字德米特里都像个秘密，不能轻易出口。

连大反派斯特里克兰都孤独——家庭与工作，他都格格不入，乐趣只能从虐待男主角身上找。

他甚至通过买一辆豪车，成为一个标准的1960年代美国成功人士：当然终于也没能如愿。

男主角是孤独的，那自然不用说了——他就像是女主角收养的美丽小宠物。

所以故事也无非是孤独者的彼此救赎。

但还不止于此。

德尔·托罗是墨西哥人。

墨西哥许多故老相传里，现实世界很荒芜，异世界——或者说，死者的世界、幽冥的世界——很热闹，很诗意。

以及：墨西哥人很喜欢绿色——他们国家队球衣都是绿的。

他是个收集了七千张录像带的死宅。

他在美国经受过墨西哥移民的典型孤独。

表现在电影中，就是女主角那种孤独：哑的、午夜的孤独。

要解除孤独，只有将现实世界的荒芜转化为热闹的异世界——所以电影中，快乐的部分，都与水有关，与楼下的电影院有关，与1960年代的音乐、舞剧和招贴画有关。

我简直可以想象，德尔·托罗也经历过女主角遇到男主角前，那些想入非非的漫长孤独。

整部电影，两种镜头最多：其一，单人面对镜头，与镜头对视的静态；其二，斜向45度的动态。

镜头很近。

极少远景。

极少室外景。

长镜头基本来自于对1960年代美国街景的表现。

德尔·托罗显然希望，你驻足于所有人物的孤独之中，近距离感受到他们的压抑与孤独。

因为这种孤独如此让人窒息，所以女主角后来，浪漫到极致的水漫金山拥抱戏，以及舞台对唱戏，都没那么突兀了，甚至让人满意了：既然逃不过满眼的绿色，那么就让水使绿色诗意化吧！

结局，也像是一个对孤独者的慰藉。

反派完蛋了。

插画师被治愈了。

女主角脖子上的伤痕反而成了鱼鳃，让她可以在水中持续呼吸。

所以这结局，比《ET》还完美：ET是孩子们送走了外星人，本片的结局却是如此美好。

那些在人类世界的残缺——哑巴、伤痕、孤独——在水中世界，却异常完美。

我总觉得，女主角性转一下，年轻一点，就是年少时的德尔·托罗——那个来到美国的墨西哥人，在1960-70年代时，希望有一个异世界的什么，来如此拥抱自己，拯救自己的孤独，告诉他：你的一切残疾，我都很喜欢。

那一点拯救，仿佛本片里女主角给男主角的那个鸡蛋，仿佛《潘神的迷宫》里，给石头人安上了眼睛。

在今年3月5日举行的奥斯卡颁奖典礼上，《水形物语》一举拿下了最佳影片、最佳导演、最佳艺术指导和最佳原创配乐四项大奖，成为最大赢家。

当著名的“雌雄大盗”宣布这一结果时，导演吉尔莫·德尔·托罗走上了颁奖台，先是一脸带笑地抢过沃伦·比蒂手中的信封，确保片名无误，然后才开心地拿过了颁给最佳影片的那尊小金人。

没错，怎么可能有错呢！

此前半年，《水形物语》已经拿下了威尼斯电影节金狮奖，尽管有不少评论指出，近些年的威尼斯电影节正在向好莱坞电影“投降”，但投降归投降，评审团在艺术的评判上却没有理由颁给一个质量低劣的作品。

可以断言，《水形物语》不仅是2017年全球中小成本电影制作的标杆，也是年度美国电影工业中最具代表性的典范之作，其精致程度丝毫不逊色于近二十年来任何一部奥斯卡最佳影片。

在此之前，吉尔莫·德尔·托罗经历过好莱坞商业制作的锤炼，但这些作品并没有让他丢掉自己鲜明的创作风格，反而强化了他的特质性。

事实上，除去漫改作品、电视剧集和大型商业制作之外（这里将这些作品排除在外并不含贬义，主要是因为德尔·托罗不能对影片的流程和走向获得足够的控制。

但必须说明，《环太平洋》仍然是笔者最爱的机甲电影之一），德尔·托罗一直以来最擅长的就是小成本暗黑童话。

从西语处女作长片《魔鬼银爪》(1993)开始，他的世界当中就充满了（西方世界的）妖魔鬼怪，这其中包括上述作品中的吸血鬼，又以《鬼童院》(2001)中的鬼童、《潘森的迷宫》(2006)中的潘神最为著名。

《潘神的迷宫》剧照 不过这些都不是德尔·托罗的标志性特征。

真正让他独树一帜甚至鹤立鸡群的，与其说是无与伦比的想象力和精雕细琢的制作力之外，不如说是他将真人童话与现实世界嫁接的能力。

德尔·托罗最拿手的，是将他的故事架设在真实的历史背景之中，这种做法一方面往往能制造出脱离现实的奇幻感，另一方面也使得电影文本具备了多重指涉性，而且毫无疑问的是，这种嫁接越紧密，各个层次文本间的关联性就会越强，文本整体就会呈现出越发复杂的样貌。

于是，二战、冷战、内战……凡是矛盾冲突剧烈的重大历史节点，都成为了德尔·托罗最爱插入他“楔子”并制造耦合关系的地方——正是在这些对抗当中，人性的善恶、时代的悖谬才能呈现出极致的状态，一个个动人的童话，才有施展的空间和可能。

从这个角度上看，德尔·托罗的前作《猩红山峰》(2015)之所以会遭遇恶评，很大程度上是因为影片本身的架空设定（维多利亚时代的孤立山庄）没有提供什么解读空间，所以哪怕视觉再完美，设定再充实，也无法回避剧情干瘪流俗的事实。

因此，哪怕仅仅是基于这点来看，《水形物语》也一定是吉尔莫·德尔·托罗当之无愧的巅峰之作。

当我们还在抱怨这部影片的剧情浅薄得让人难以接受时，德尔·托罗和他的编剧其实已经在表层的故事之下布下了数条有趣的线索和丰沛的纤毛，这张网络盘根错节，在真实历史的土壤中吸取着惊人的能量，而这个无与伦比的现实基底，也让每个角色和桥段得以尽情生发。

《水形物语》的故事发生在一个特定的时代背景当中。

虽然影片中没有任何明确的交待，但根据影院里放映的影片来看，观众可以大概将故事发生的时空确定在上世纪60年代初期美国的巴尔的摩。

我们有理由相信，德尔·托罗将故事设定在这个时间节点并不是出于某种异想天开的直觉，因为60年代初在美国的历史进程中实在是过于特殊了：从国际局势上讲，美苏冷战在这一时期达到高峰，从61年的柏林危机到62年的古巴导弹危机，热战可谓一触即发；从国内看，美国掀起了著名的平权运动，时任美国总统肯尼迪于1961年签署 “平权法案”后不久便遇刺身亡，社会矛盾激化程度可想而知。

影片正是将故事置于这个背景之中，整个实验室和人鱼的出现，都围绕着美苏双方的军事对抗展开，而其中的所有主要角色，则都与“权利”二字密不可分。

除此以外，作为电影爱好者的德尔·托罗还少不了加入他的“私心”：如他所说，《水形物语》是一部“送给电影的情书”——这不仅体现在片中出现了大量的老电影并仿制了歌舞片的片段，甚至是直接在角色设定中致敬《黑湖妖谭》等作，更体现在他清楚地意识到60年代初期在电影发展史中的特殊性（这一指涉其实比所谓“致敬”重要许多，因为如果剥离这个层面的考量，剧情就会出现无法解释的漏洞。

比如，电影院里为什么总是空空荡荡？

）：随着电视的出现，电影行业出现了大幅衰落迹象，影院只能用巨大的宽银幕和超长的史诗巨作对抗电视、吸引观众（影片设定的1962年也是影史杰作《阿拉伯的劳伦斯》上映的年份，该片在翌年获得了包括最佳影片将在内的七项奥斯卡大奖，想必并非“巧合”），但诚如片中所展示的那样，这种办法依旧无法挽回颓势。

因此，我们才会看到影院是如何经常性的门庭冷落，以及作为娱乐工具和监控手段的电视如何频繁出现在人们的生活和工作当中。

对电影工业发展状况的回顾在《水形物语》中所占的位置如此重要，以至于我们很难将它当作单纯的“迷影元素”看待；在一些场景中，这些相当不起眼的安排实际起到了重要的结构性作用，甚至足以左右影片的表意。

这里，我们可以举一个最为典型场景来说明：当人鱼从女主角艾丽莎的家中逃跑后，艾丽莎在空无一人的放映厅中找到了他，此时人鱼在银幕上看到的，恰是1960年在美国上映的作品《路得记》(The Story of Ruth)。

该作根据《圣经·旧约 路得记》改编，讲述了摩押人路得随婆婆回到犹大伯利恒再婚生子之事。

德尔·托罗之所以在此刻选择这部影片，是因为这一圣经故事中包含了一系列丰富且与影片相匹配的含义：首先，路得对婆婆拿俄米的挚爱和追随与艾丽莎和人鱼情感殊为相似（1:16 “你往哪里去，我也往哪里去”）；其次，路得和拿俄米分别来自摩押和犹大两个王国，这就将路得对拿俄米和她的丈夫波阿斯的感情寄托在两个不同的民族之间（2:12“你来投靠耶和华以色列神的翅膀下，愿你满得他的赏赐”），对应了片中跨越种族的爱恋。

更值得玩味的是，人鱼在片中的形象并非一成不变，而是经历了兽—人—神的递变，在这个过程中，观看《路得记》显然起到了重要的作用。

这很难不让人想起《天堂电影院》那个著名的结尾——电影可以如何作用于一只“兽”的精神世界，以至让它在短短几个小时之内便脱胎成人，从吃猫变成了“吸猫”，从随地进食变成上桌吃蛋，从浴缸中休憩到床上安眠——正如电影改变了德尔·托罗本人一样。

所有这些在影片中只发生了不到五分钟时间，但这五分钟却足以让我们管窥到影片背后巨大的所指系统。

《水形物语》之所以备受争议，一方面是因为其“简单老套”的故事情节，另一方面也因其“刻意迎合”美国主流价值而被指责为“政治正确”。

然而事实上，只要对比一下真正的“政治正确”就会发现，将《水形物语》描述成一部“政治正确”的影片是一种多么滑稽的误读。

恰恰相反，影片正是以构建童话的方式，通过巧妙的角色设置和情节编排极力规避罔顾事实、过犹不及的说教，极其含蓄地描绘了60年代初期女性、残疾人、同性恋和黑人群体在社会中确有的地位和遭遇。

它既不游离，也不介入，既不义愤填膺，也不滥杀无辜。

于我而言，这就是艺术在当今世界所能达到的最高境界。

更仔细地分析之下便会发现，《水形物语》让人产生“叙事老套”“价值陈旧”的错觉的根本原因，在于德尔·托罗所擅长的童话故事具有一套十分特殊的叙事机制。

在这样的故事之中，人物必须达到极致的典型化和平面化，才能形成有效的冲突；当人物无法形成足够的动机时，创作者甚至会想方设法把人物推向更加极致之处，从而达到应有的叙事目的：一个显见的例子是，当反派角色斯特里克兰准备放弃寻找人鱼时，是霍伊特将军以生命和家庭作为要挟，把他推向了邪恶的必然（被阉割的手指也随之变黑腐坏）。

正如我们无法期待格林童话《小红帽》中的大灰狼在吃人之前会再三考虑犹豫不决，无法期待《绿野仙踪》中每一个角色都集智慧、爱心、勇气以至奸邪于一身，我们也不能期待《水形物语》中的任何角色像写实主义的《三块广告牌》中的角色那样具有复杂的人性向度。

不过，这并不代表《水形物语》中的角色塑造毫无水准；恰恰相反，片中每个角色都具有极强的功能性和可读性，除了社会边缘群体的身份特质之外，每条角色线索还为影片带来了丰富多彩的维度。

比如，黑人女子泽尔达的自取名“黛利拉”(Delilah)就有着明显的宗教色彩，而这成为了反派角色要挟泽尔达说出人鱼位置的突破口；女主角艾丽莎的疤痕则给整个故事添加了一抹至关重要的浪漫主义色彩。

同性恋的画家身份更是充满玄机：他的前上司明确指出“绿色是未来的颜色”，由此我们才得以注意到，整个影片几乎全都沉浸在水鸭色之中（只有理想的核心家庭驻留在了琥珀色的美国梦中），这既在暗示水与爱的无处不在，也无疑是在表明《水形物语》不仅是一部设定在冷战白热化时期的电影，更是一则关于“未来”（也就是现在，甚至也是未来）的寓言，一首人类文明的挽歌。

它试图表明，文明的对抗、社会的不平等和电影的衰落在五十余年后的今天仍未终止，今后亦未可知。

通过这样那样的方式，影片的色彩、角色和背景完全勾连在一起，形成了一个统一、丰富而具有无限时空外延的整体。

它是吉尔莫·德尔·托罗创造的宇宙，既真实可感，又暧昧不明。

当我们回顾整部影片时也许会发现，同性恋画家不仅充当着“水形宇宙”中的一个角色，还是整个故事的叙述者。

在影片结尾他提到，“他们从此幸福快乐地生活在一起了吗？

我相信是的。

”直到这时我们恍然明白，二人入水之后的一切无非出自于他个人的想象，现实或许远比这个唯美的结局要残酷许多。

可谁又能确定呢？

影片开头，德尔·托罗将水下的闹钟与艾丽莎起床的镜头剪接在一起，分明表明水下所发生的一切皆是艾丽莎的幻梦…… 《水形物语》的迷人之处，就在于它永远无法被看透，甚至无法被感知——谁也不会在意那些完全融入情节的单点光源、交叉剪辑，或者刻意观察墙上的花纹、房间的陈设。

大众对《水形物语》的轻视，恰恰反证了它的朦胧和轻盈，我们唯一可以确定的是，它是一则童话，一声耳语，它讲出了一个人尽皆知、却无人能及的词语： 唯爱永生。

片子和题材都不是我喜欢的类型。

但是女主和鱼人将浴室变成水底，相拥而吻的那一幕，好美。

喜欢老画家，特别喜欢，可爱而善良。

因为喜欢店员会一直去买难吃的派，打开冰箱的时候里面放满了只吃了一口的派，那是爱啊。

而发现所爱非良人时，用纸巾擦嘴的时候也擦了舌头，真酷！

开车去接鱼人的时候，紧张到一直抖，还解不开安全带，平凡人的可爱。

鱼人摸他的伤口，觉得不卫生，鱼人走开后，才小孩子气的擦擦手，善良又淘气。

长出头发以后的激动，像小孩子一样。

这个老小孩，真讨人喜欢啊。

《水形物语》挺好，但又好得不够。

好的地方，在于它愿意大材小用，愿意认真地游戏，用大手笔拍一个小故事，只有九十年代的电影人，才敢这么干。

好得不够的地方，在于它想得太清楚了，也太会算计了，每一句台词，每一个情节，都是精心设计过的，边缘人身份，冷战背景，美丑对比，人和神的关系，整个故事套用《巴黎圣母院》，所有可以写影评的东西，全都打明牌。

没有多余的台词和情节，没有多余的情绪，没有无用的隐喻，没有导演自己也不清楚为什么会拍的段落，而我觉得，好电影里，必须要有一些导演自己也不知道为什么要拍的段落。

它不是一棵菜，而是一把维生素，尽管是一把惨绿的维生素。